Everything Is Illuminated Trailer

Y se hizo la luz.

a Esaú

La vida Iluminada
Everything is Illuminated
Dir. Liev Schreiber

Coleccionar objetos es un hábito terrible; obsesiona, ciega, vuelve materialista a la persona, lo mete en una maraña autoconstruida de la que queda preso.

Cuando coleccionamos estamos abriendo nuestra personalidad, anunciamos a gritos que nos atrae algo, que nos mueve, que somos sensibles a lo material.

Si cuando llega la muerte no nos llevamos nada, ¿Para qué sirvió el desgaste físico, emocional y monetario por coleccionar? Los objetos se quedarán ahí, para alguien más, y en determinado momento ni siquiera hablarán de nosotros, sino por si mismos, por el valor que le dimos.

Por otra parte, coleccionar recuerdos es dogma de fé. La esperanza de la existencia de un cielo nos habla de una preocupación por mantener los recuerdos ¿Podremos tomar conciencia en el más allá de lo que hicimos acá en la tierra? Si los científicos no pueden comprobar que exista una vida espiritual después de la muerte entonces tampoco pueden desmentirla, de ahí nos agarramos algunos para suponer que ganaremos una especia de omnipresencia y nueva existencia, entonces entenderíamos las cosas que pasaron, las que pasarán y las que pudieran haber pasado, pero ¿y si no?

Jonathan (Elijah Wood), el personaje principal de La Vida Iluminada, no está seguro de lo que hay al morir, necesita sus lentes de fondo de botella para ver más allá de lo palpable. Por eso guarda los objetos en momentos insospechados o comunes como si fuera a perder los recuerdos. Lo que le consta es lo que tiene, lo que toca.

En el viaje que hace a Europa, el joven judío norteamericano, quiere entender un recuerdo de su abuelo para tenerlo para siempre. Sin embargo parece que el paso del tiempo ha puesto todo en contra para que consiga su objetivo.

La película tiene una actuación excepcional del actor distinto que es Elija Wood, es un filme atípico norteamericano que guiñe al cine europeo, se quiere parecer a Amelié pero no consigue la calidad de obra maestra contemporánea francesa.

Vale por la historia, por el enganche que hacemos con los personajes, vale por ver en qué momento se ilumina la vida del personaje, en qué momento le corre la sangre.

La única esperanza que tenemos es que se haga la luz al final del camino para que el personaje principal sobreviva a su maraña de miedos y recuerdos. Que la iluminación lo guie, que el camino sea más claro en la certeza y en la fe. Dichoso Jonathan por encontrar la luz.

En la raya: Deben verse algunos títulos olvidados de la filmografía de Elijah Wood, especialmente Hooligans, Radio Flyer, La Tormenta de Hielo y The Faculty (Aulas Peligrosas)

Caminar a la luz, sin remedio

A Tiki

Asuntos Pendientes Antes de Morir

Things to Do in Denver When You're Dead

Dir. Gary Fleder

1995

La mafia, ese maldito grupo atascado de doble moral, que se persigna para que la bala produzca la muerte más certera.

La mafia, ese maravilloso coctel de historias, de los hombres que avasallan con galantería a las chicas más hermosas y que insultan con arrogancia y elegancia a quienes ya no les sirven.

El negocio que tiene un orden, una estructura ultra respetada, que no permite errores, que paga las fallas con besos condenatorios.

La familia que se apoya hasta la muerte, que se tiene el uno al otro contra todo, menos contra las propias reglas de la hermandad.

De la familia nadie se desprende, si el jefe te llama, aunque sea un anciano, obedeces y cumples, a sabiendas de que fallarle no es una posibilidad.

Con tremenda premisa y en el entendido de la fuerza de la estructura delictiva, este filme de 1995 mantendrá una vigencia envidiable por lo comprensible e interesante de la trama: Un respetado capo (virtuoso Cristopher Walken como siempre) está avergonzado y preocupado porque su hijo vaga por las calles como un loco a raíz de que la novia lo abandonó. El poderoso padre protector, seguro de que su retoño volverá a la cordura, contrata a un hombre de su confianza para ponerle un susto al nuevo novio de su otrora nuera que vendrá a la ciudad, todo con la esperanza de que no se acerque más y así la chica vuelva a los brazos de su hijo.

Haciendo honor a la ley de Murphy, aquella de la máxima fatalidad con el menor esfuerzo, donde todo lo que pueda ir mal, irá mal. Jimmy “El Santo” y su equipo salen del “encarguito” más hundidos que liberados y metidos en un problema catastrófico con el patrón.

Así, el protagonista tiene cosas que hacer en Denver antes de morir, al saberse con las horas contadas por echar a perder la confianza del jefe. Pésimo (o el mejor) momento para enamorarse y pretender a una hermosa mujer, Jimmy disfruta y añora, como un fantasma, el recorrido por las calles y con las personas que se relaciona a diario.

Filmada en el mejor momento de Andy García, pionero de la consagración de los latinos en Holllywood, aunque su aspecto más cercano a lo italiano le abrió el paso a una gama de personajes ligados a la mafia (El Padrino III, Ocean´s Eleven, Los Intocables); se presenta una realización sencilla, enfocada al desarrollo plano a plano de la historia y con un ensamble de actores único y a la medida.

La mafia, ese grupo delictivo tan cerca del cielo y del infierno como otras organizaciones ilegales.

La mafia, el negocio que nunca paga bien.

La mafia, ese manjar cinéfilo interminable.

En la raya: Por favor, que nunca se pierda una de las mejores películas del enigmático Andy Garcia entre los pasillos de una tienda de videos.

Aquí me quedo, para ti.

A Enid.

Siempre a tu lado
Hachi: A dog´s tale
Dir. Lasse Hallstrom
2009

Todos quisiéramos ser capaces de esperar para siempre, por esa persona, por un abrazo, por lo que perdimos. Necesitamos ser pacientes para que ninguna otra cosa que suceda desvíe nuestra atención del verdadero objetivo y meterle agallas para no perder detalle alguno que reviva la motivación.

Estar ahí, mantenerse, implica lealtad, convencimiento, tener la disposición de morir esperando. Esperar así es una mezcla entre fe, nostalgia y angustia, pero pierde el sentido si nuestra imaginación no crea ciertas dosis de imágenes donde lo mejor está por venir.

Para los demás resulta lamentable, da pena, pero salpica de compasión y respeto. Para aquel que espera no existe el exterior, solamente ese momento en que la espera termine.

Esperar por un amor no es un gran reto, la recompensa puede darse de diferentes formas; pero esperar por un amigo, implica renunciar al ego, a los placeres, a las mil cosas mejores que hacer.

Por un verdadero amigo se hace todo, por estúpido que sea, incluso correr por la pelota y traerla corriendo de regreso si eso hace feliz al otro amigo.

El perro, es sinónimo de lealtad, quiere al amo porque le da de comer, lo acaricia, le habla, le pone atención, desconoce si es su responsabilidad, su compromiso moral o civil, solo lo quiere por ser bueno con él.

El amo, por su lado, no forzosamente comparte ideología con Cesar Millán (el encantador de perros), no se siente líder de ninguna manada, lo hace partícipe de igual a igual. Lo respeta y le agradece que lo considere importante en su vida.

Basada en un hecho real sucedido en Japón, pero adaptada a Estados Unidos en la época moderna, Siempre a tu Lado es la historia de un profesor y su mascota. Día a día el can acompaña a su amo a tomar el tren para ir a trabajar y lo espera a su llegada para volver juntos a casa. Un día, el hombre no regresó.

Una de las reflexiones más fuertes de la película es para nosotros los humanos, que no siempre conideramos la vida entera para esperar, pues tenemos la capacidad de olvidar y encontramos nuevos motivos para otros ejercicios de paciencia. ¿Qué pasaría si esperáramos para siempre?

En la raya: Tato, Harry, Nicky, Nek, Simón, Mara, llámese como se llame, siempre estuvo ahí, alegre de vernos.

Una obra de arte en cenizas.

A Jenner, Adrián y Noe.

Equilibrium
Dir. Kurt Wimmer
2002

Antes de disfrazarse de Batman, Christian Bale ya había sido un caballero oscuro y también partió madres. Varios años atrás, se convirtió en el torcido Psicópata Americano (American Psycho, Harron, 2000), un metrosexual que asesina para mantener el status.

Mucho más interesante, en su de por si obligatoria filmografía, es la joya dirigida por Kurt Wimmer. El argumento, con una clara referencia a la novela Farenheit 451 de Ray Bradbury, cuenta la historia de John Preston, un agente del gobierno cuyo trabajo consiste en destruir todo aquello que pueda producir sentimientos en las personas, pues en un futuro bien organizado descubren que el problema por el cual no evoluciona la sociedad es justamente porque los humanos son capaces de sentir y meterle corazón a las cosas para mal.

Siendo John el más eficiente de los elementos de este nuevo orden, en determinado momento cliché debe enfrentar aquello que había jurado defender. Las secuencias de acción complementan perfecto las actuaciones de Bale, Emily Watson, Sean Bean y hasta Taye Diggs con una puesta en cámara envidiable.

Refleja un extenso y minucioso trabajo, el director creó para la producción el gunkata, un arte marcial que combina armas y patadas, cuenta además con un excepcional trabajo de arte y secuencias de acción de antología.

Equilibrium es la definición de festín visual, una película que debe verse y esa es una recomendación que no se reparte por ahí como cualquier cosa.

http://www.youtube.com/watch?v=KZ3nS7T1e0M

En la raya: El filme fue desafortunado en situaciones extra sala de cine, fue estrenado en plena época Matrix; el espectador y el distribuidor no estaban preparados para tanta violencia vestida con gabardina. Su presencia en México fue directo en el videoclub.

Despedirse de a poquito y calladito

Ni una palabra
Dont Say a Word
Dir. Gary Fleder
2001

Era una actriz con un rostro que reflejaba ternura y a la vez compasión, su voz entre dulce y lastimosa, su cuerpo delgado y atractivo la colocaban perfecto como una protagonista distinta, identificable por su belleza indiscutible capaz de convertir algo tan extraño como sus naturales ojeras en un extremadamente sexy elemento. Brittany Murphy, que falleció en diciembre de 2009 a los 32 años, era única en la pantalla. Su carrera fue de la comedia simplona de Recién Casados a la joya de culto Sin City pasando por la cinta semi biográfica del rapero Eminem, 8 millas.

Su filmografía se asemeja en dos cosas a la del multipremiado y también extinto Heath Ledger: se mantuvo siempre al margen participando en proyectos más bien independientes y su figura camaleónica se paseó por diferentes géneros.
En el caso de Brittany, sus actuaciones, para ser honestos, nunca destacaron demasiado; sin embargo su principal aportación en el séptimo arte es la fuerza de sus ojos, nunca más claro aquello que dice que la clave del cine son las miradas de los personajes.

Ni Una Palabra es la oportunidad de ver uno de sus mejores trabajos y entender porqué su imagen física, distinta, era infinitamente multifacética; podía actuar como torpe niña rica y convertirse en una bomba sexy en la siguiente película.

Para este filme el reto era otro. Es la historia de un psiquiatra (Michael Douglas), padre de familia, que se enfrenta a un grupo de criminales que tienen secuestrada a su hija a cambio de que pueda obtener información fundamental de una agresiva interna de un hospital psiquiátrico (Murphy).

Buen villano Sean Bean, absurdo rol de la policía Jennifer Esposito. Famke Janssen lejos de la Jean Grey de X Men y postrada en una cama con la pierna rota en el más claro referente a Hitchcook y la ventana indiscreta

En época de lluvias vale rentar la película, quedarse en casa, que afuera se acabe el mundo, ver a Michael Douglas haciendo de él mismo, y verla a ella, la inquietante chica de los ojos intimidantes detrás de las ojeras.

Lo bueno de morir joven, es que la imagen se mantiene intacta. Hay que ver sus filmes y despedirla administradamente, poco a poco.

En la raya: Cuando Alfred Hitchcook comenzó a experimentar en cómo colocar la cámara y aprovechar los elementos para que el espectador se mantenga al borde del asiento, no estaba conciente de que preparaba una base para otros realizadores, simplemente le funcionaba para contar mejor sus historias. Vinieron generaciones y generaciones de alumnos empíricos qué, emulando al gran director, hicieron y perfeccionaron en muchos casos al genero gracias a nuevos elementos (celulares, Internet), así el thriller no tiene fin. ¡Viva el cachetón y su silueta!

La Enseñanza de la Grulla

The Karate Kid
Dir. John G. Avildsen
1984

La disciplina es la ruta a la trascendencia, y la trascendencia comienza por la existencia, que los demás sepan que estamos ahí. Para hacerse notar hay que obtener el respeto de los demás, y no ganarlo con agresividad o gritos, sino con valores universales como la amabilidad, el carisma ó la compasión, no tanto por una complacencia con el entorno, sino para nosotros mismos.

Cuando se es joven, normalmente enfrentamos nuestra propia personalidad contra diferentes pruebas, por alguna extraña razón, siempre hay alguien que tiene problemas con quienes somos y como somos; en defensa del derecho que tenemos a ser quien se nos dé la gana hay ocasiones donde no queda más remedio que afrontarlo con lo que tengamos.

En la muy popular Karate Kid, el protagonista viaja para establecerse en la nueva ciudad, se encuentra desarmado para comenzar su vida en un ambiente hostil y difícil y para colmo, se enamora de la chica más linda de la escuela sin mayor arma que su simpatía.

Insignificante, flacucho, sin dinero y golpeado, el héroe no tiene futuro hasta que encuentra un guía. Este maestro cumple el reto más difícil de todo mentor: convencer al alumno que la respuesta está dentro de él y la encontrará cuando se ponga las pilas y se crea capaz de conseguirlo.

Lleno de referencias ahora clásicas (cazar moscas con unos palillos chinos, por ejemplo)
, el filme surge en la década de los 80´s cuando Hollywood buscaba principalmente las historias familiares reponiéndose de la oscuridad temática e intimista de la década anterior. Pero la inocencia de los filmes no estaba libre de dobles significados, por eso están ahí para el análisis las diferentes nacionalidades de los personajes, el negro de los Cobra Kai contra el blanco de Larusso, la lucha de clases y hasta una referencia celestial en la figura del señor Miyagi.

Solitario, en la grulla y con entrenamiento intenso, una y otra vez solo con su sombra y ante la inmensidad del mar, poniendo a prueba su equilibrio, Daniel Laruso, no solamente encuentra la técnica de la superpatada que le hará ganar el respeto de aquellos que lo humillaban, sino que también se topará con su propia fuerza y entenderá cómo la clave está en aprender de nosotros mismos. De vez en cuando hay que disponernos a encerar y pulir, a pintar nuestras bardas, salir de nuestra bañera portátil y descubrir lo que podemos rescatar de las cosas sencillas y que las mismas enaltecen lo que somos.

En la raya: con la reinvención de la franquicia con un aprendiz más joven y Jackie Chan como el maestro, se antoja tomar la nueva versión como un homenaje y la necesidad de recuperar la enseñanza en los tiempos del bullying.

Desaparecer para crecer

Donde Viven los Monstruos
Where the wild things are
Dir. Spike Lee
2009

La vida hay que agarrarla por los cuernos, de frente. Se vale tener miedo y hasta llorar, pero nunca soltarse, porque cuando abramos los ojos estaremos justo en los hombros de la que parece ser la peor bestia, como la hemos dominado, el camino será más sencillo.

Donde Viven los Monstruos es una película sobre el forzoso viaje de descubrimiento que tarde o temprano tendremos que enfrentar solos. Así como Vicky y Cristina viajaron a Barcelona en la historia de Woody Allen o Unax Ugalde en el Cefalópodo de Rubén Imaz; Max, el protagonista, viaja a lo más profundo de su imaginación para encontrar sentido al proceso familiar al que se está enfrentando.

¿No tenemos todos en el interior ese niño que debe enfrentar a sus monstruos? De ahí parte la premisa que Spike Jonze, el director de la cinta, hace propia y engalana con un excelente reparto para entregar la película distinta del 2009.

La metáfora es dolorosa porque Max está convencido que pertenece al mundo de lo salvaje, que es más divertido y menos complicado, pero en el camino aprenderá que ser rey de uno mismo está más allá de su propio entendimiento.

¿Qué sería aquello que Max no ve? ¿A qué se enfrentó en realidad? Pensemos lo que queramos, pues Jonze puede mantener la historia mágica para el espectador adulto todo el tiempo.

El filme es una golosina visual, Spike Jonze, se confirma como único y diferente, sigue siendo este director transgresor que ahora toma un cuento sencillo y lo carga de una complejidad que principalmente entenderán los niños y que a los papás parecerá sumamente extraña.

Where the Wild Things Are es una película adulta, que puede ser vista por niños, que necesita paciencia de los mayores para afrontar el ritmo lento que ha decidido el director con la dedicación que necesitan los menores.

Maravilloso el desarrollo de los personajes fantásticos, un verdadero encanto audiovisual además de una selección de locaciones protagónicas a lo largo de la película y la música que combinada con la puesta en cámara aportan el sello de modernidad.

Y puede ser, quien sabe, que el niño decida mejor volver a casa, dejar de lado la bestialidad por un momento y tomar su sopa caliente y entender que lo más bonito de viajar, es regresar.

En la raya: Esta película sufrió de influenza, el virus provocó que se aplazara su estreno en México por más de seis meses. Quedará en el anecdotario que los cines cerraron funciones, lo que provocó que las distribuidores se vieran en la penosa necesidad de reprogramar sus apuestas fílmicas. Por eso el profundo furor que provocó en el país del norte, no se relaciona con el escondido debut que tuvo en las salas nacionales.

La era de los gritos en público

Casi Famosos
Almost Famous
Dir. Cameron Crowe
2000

Dicen que para el rol de Russell Hamond, el virtuoso guitarrista y coprotagonista, el director había contemplado a Brad Pitt. Aunque la decisión hubiera catapultado la popularidad de la cinta, le restaría la frescura que aporta el armonioso ensamble de actores que transmite ese placer oscuro de unirse a la gira de un grupo de rock en la era de los excesos: los 70´s.

Casi Famosos cuenta la historia de un mocoso ñoño con cara de bobo y actitud inocentona, apasionado de la música, que escribe más que chido. Ante un inesperado reportaje en el que debe seguir en el tour a la banda Stillwater para la revista Rolling Stone, William, el protagonista, enfrentará a su posesiva madre, su retraso escolar y el primer enamoramiento.

La búsqueda del personaje por una entrevista con la estrella del grupo de rock, aborda en el fondo el mismo deseo de muchos otros seres humanos: sentirse en el mismo nivel que quienes tienen los reflectores encima.

Sin perder la magia de la adolescencia, como cuando volteamos atrás y se nos mueven tiernamente las entrañas por las cosas absurdas que hicimos en la preparatoria, Crowe logra establecer un ambiente ideal para contarnos una historia de identificación con el protagonista. De esta forma le compramos al realizador todo lo que nos vende: que Stillwater es lo máximo, que Penny Lane es un ángel y que la vida del rockero es de poca madre.

Los amantes de la música de la época generarán un lazo de complicidad con el melómano director, el soundtrack va de lo incomprendido a lo armonioso y convierte al filme en un indiscutible retrato musical; esto no sorprende porque se trata de un guión basado en diferentes hechos reales que vivió Cameron Crowe cuando muy joven escribía para la revista Rolling Stone.

Almost Famous es una historia sobre crecer, hacer sacrificios y aprender a decir adiós. Es una historia muy norteamericana en su contexto, aunque sutilmente universal en la relación entre los personajes. Sobre todo, es una comedia dramática realizada con energía y al ritmo de la vida de la época.

En la raya: Es una película recurrente en las rebajas de supermercado, su costo va entre los 70 y 90 pesos.

¡Corran por sus vidas!

El Huesped
Gwoemul
Dir- Joon-ho Bong
2006

En plena luz del día, un monstruo gigante que sale del río, ataca sin piedad y por sorpresa a gente que vive un día tranquilo y soleado. Desde ahí la premisa es distinta, la desesperación y ansiedad deja de estar ligada con el horario nocturno. Arranca sin rodeos; después de entender la raíz antiecológica, el problema ya está puesto sobre la mesa.

Inesperadamente la tranquilidad ha sido golpeada por un descarado ser, una especie de lagartija maleducada gigante que se mueve en una mediana calidad digital, pero para entonces el espectador está atrapado, querrá saber qué destino tiene el atolondrado protagonista que pierde a su hija en los tentáculos de la criatura.

El séptimo arte es también una oportunidad para que los géneros sean redescubiertos o enaltecidos. Aunque se empeñen en llamarla la mejor película de monstruos, parece un título poco meritorio para una cinta ágil, con algo de contenido antisistema y que mantiene pegado al asiento por voluntad propia, de una narrativa perfecta en el entendido y complicidad de la ciencia ficción para el espectador promedio.

Realizada en Corea del Sur, la comunidad mundial geek ama la cinta y la crítica especializada insiste en que no es un filme superficial pues tuvo un decoroso tour festivalero o es favorita de Tarantino, pero lo más destacado es lo digerible y divertido de la película, una trama llevadera enmarcada por la universalidad de la relación padre-hijo.

Lejos quedaron los helicópteros y los megaplanes gubernamentales para destruir a los gigantescos enemigos del orden. Ahora todo se ve desde la figura maltrecha de un héroe sin opciones, con recursos a su alcance y nada más.

El cine asiático es un respiro para quienes desean simple y sencillamente algo diferente de principio a fin.
El Huésped es al cine de monstruos, lo que Los Imperdonables es al western. Así de fuerte

En la raya: si vives en Guadalajara, Video Centauro tiene copias y copias originales a la venta en no más de 30 pesos (3 x 100) ideal para llevársela de relleno y encontrar una grata sorpresa.

Tremendos problemones

Preciosa
Precious: Based in the novel Push by Saphire
Dir. Lee Daniels
2009

Si a la trabajadora social le diéramos una bien servida torta de jamón y le restáramos un poquito de interés por la persona que está atendiendo, estaríamos ante una película mexicana redundante en el nuevo milenio. Precious, basado en la novela Push de Saphire, es la ejemplificación de un drama urbano contemporáneo que hemos visto hasta el cansancio en historias como Perfume de Violetas y De La Calle.

La chica menospreciada por la sociedad se enfrenta a la pobreza y a transitar por las calles de la ciudad como este monstruo incomprendido hasta por su propia madre.

Retratada en un color ca-cafe, el filme sigue la terrible vida de Precious, una adolescente obesa que enfrenta el hecho de vivir al servicio de su madre, ser una mala estudiante, haber sido abusada por su padre y estar en su segundo embarazo.

Esta extraña cenicienta encontrará a su hada madrina en la bien intencionada profesora encargada de chicas adolescentes difíciles y así, en un muy bien logrado ensamble de actores, la historia golpea de frente al espectador en una trama nada sencilla de digerir.

Multipremiada, multiruidosa y multiesperada para el espectador mexicano, la película termina siendo meramente localista y poco innovadora en este lado del mundo, que vale la pena como una referencia al cine de la comunidad afroamericana en Estados Unidos, pero que como género es ampliamente retratado en el cine latinoamericano y sin el cheque del social care.

Es un filme que duele en cada ollazo, que desespera y contagia el tedio que vive la protagonista. Tiene una dirección detallada y eso hace la película recomendable. Absténgase si no quiere sufrir con la protagonista y anímese si quiere sentirse feliz por lo que tiene en su vida y de paso ver actuar en roles pequeños pero significativos a Mariah Carey y a Lenny Kravitz.

En la raya: De próximo estreno en DVD en México, aunque en Estados Unidos ya tiene casi dos meses a la venta. Se puede comprar en Mixup si es mucha la ansiedad, yo me esperaba.